L'histoire des bijoux est une exploration fascinante de l'expression humaine, de la richesse et de l'artisanat à travers les âges. Des premières parures primitives aux créations contemporaines sophistiquées, le bijou a toujours joué un rôle essentiel dans la culture, le statut social et l'identité personnelle.
Les Origines et les Premières Époques
Jusqu'à la Renaissance, il est souvent difficile de préciser la provenance géographique des bijoux. Les matériaux utilisés variaient selon les régions et les ressources disponibles, reflétant ainsi les cultures locales.
Le XVIIe Siècle : Symbolisme Religieux et Motifs Naturels
Au XVIIe siècle, les motifs religieux dominent encore très largement l'iconographie de la parure. Des pendentifs ornés de scènes peintes sous verre ou réalisées en fixé-sous-verre, représentant des sujets religieux tels que l'Annonciation, la Nativité, l'Assomption de la Vierge ou un saint en contemplation, témoignent de cette influence. Les bijoux reliquaires, conçus pour contenir des reliques sacrées, étaient également très appréciés, comme en témoigne une croix datée de 1645, composée de six petits compartiments ronds.
Parallèlement, les bijoux profanes empruntent leurs formes à la nature, annonçant une tendance qui se développera davantage par la suite. Les bijoux de tête et les épingles étaient très en vogue, et les ornements de corsage pouvaient être portés en pendants, suspendus ou cousus directement sur le vêtement.
Exemple d'objet du XVIIe siècle :
| Matériaux | Date | Provenance |
|---|---|---|
| Argent, argent doré au revers, quartz, grenats | 1890 (Achat) | Gustave Roger Sandoz |
Le XVIIIe Siècle : L'Apogée de la Joaillerie et l'Innovation
Le XVIIIe siècle marque le triomphe de la joaillerie. L'approvisionnement en diamants s'est élargi avec la découverte des mines d'Amérique du Sud vers 1726-1729, après avoir été initialement concentré sur les mines de Golconde en Inde. Ces pierres, autrefois réservées à la royauté et à l'Église, deviennent plus accessibles.
À l'époque rocaille, les pierres fines - rubis, saphirs, topazes, grenats - sont largement employées dans des compositions multicolores. Au milieu du siècle, les riches parures sont souvent réalisées en diamants, parfois remplacés par des topazes blanches pour des raisons économiques ou esthétiques.
L'invention du strass, un verre au plomb très brillant, révolutionne le marché du bijou, le rendant accessible à une clientèle moins fortunée. Les pierres transparentes sont alors montées sur fond d'argent, une technique appelée la culasse, où la partie pointue de la pierre est sertie dans une petite cuvette de métal, parfois tapissée de paillons d'argent pour accentuer la brillance.
Le nœud de ruban s'impose comme un thème récurrent dans la joaillerie dès la seconde moitié du XVIIe siècle et continue d'être populaire au XVIIIe siècle.
La pièce la plus spectaculaire de la collection datant de la fin du XVIIe ou du début du XVIIIe siècle est un ornement de corsage triangulaire. Initialement destiné à être cousu, il fut adapté avec un crochet au XVIIIe siècle. Il est composé de plusieurs plaques ajourées ornées de rinceaux feuillagés en argent sertis de diamants et de fleurs en émeraudes montées sur or.
Le XIXe Siècle : Harmonie, Innovations Techniques et Réinterprétations Historiques
Le XIXe siècle voit une grande diversité de bijoux, mais les femmes privilégient les ensembles harmonieux, les parures (collier, boucles d'oreilles, bracelets, etc.) et les demi-parures (composées généralement d'une broche et d'une paire de boucles d'oreilles). Ces pièces suivent la mode vestimentaire, comme en témoigne l'apparition de la boucle de ceinture sous la Restauration, correspondant à la mode des tailles hautes et des manches gigot.
Une innovation technique majeure est la mise au point de la monture « à jour », sans fond de métal, qui renforce la réfraction de la lumière sur les facettes des pierres taillées. Sous l'Empire et la Restauration, des techniques comme le graineti (petits grains d'or serrés) et la cannetille (fil de métal enroulé) sont utilisées conjointement.
À l'instar des arts visuels, les créateurs de bijoux redécouvrent le Moyen Âge et la Renaissance vers 1825, s'en inspirant pour créer des bijoux composites d'une grande virtuosité. Le goût pour la Renaissance est particulièrement manifeste dans les pièces présentées à l'Exposition universelle de 1878.
Les civilisations du pourtour méditerranéen inspirent également les bijoutiers, qui empruntent au Maghreb des motifs comme les nœuds algériens, les boules de lapis-lazuli et les motifs de coloquintes en pendants.
Après la Révolution, la prospérité entraîne une augmentation de l'offre et de la demande pour les produits de luxe. La découverte des mines de diamants du Cap en 1867 apporte une quantité sans précédent de diamants sur le marché, rendant la joaillerie plus accessible aux classes moyennes. Le rôle de la joaillerie évolue, n'étant plus l'exclusivité des classes supérieures.
| Artistes/Maison | Matériaux | Date d'acquisition (Don/Achat) |
|---|---|---|
| Alphonse Fouquet | Or fondu et repercé, ciselé et gravé | 1908 (Don) |
| Falize | Argent, argent doré au revers, quartz, grenats | 1890 (Achat) |
| Eugène Carrier-Belleuse | Or, émeraude, diamant taille rose et taille brillant | 1901 (Legs) |
L'Art Nouveau et le Début du XXe Siècle : Modernité et Naturalisme
Le Musée des Arts Décoratifs possède la plus importante collection de bijoux Art nouveau français. La collection d'œuvres de René Lalique, considéré comme l'inventeur du bijou moderne, est particulièrement remarquable. Elle comprend des pièces acquises par le musée et des dons de l'artiste lui-même ou de ses admiratrices.
Cet ensemble Art nouveau inclut également des œuvres de grands bijoutiers français de la fin du XIXe siècle tels que les Falize, les Fouquet, les Vever et Lucien Gaillard, ainsi que des créateurs moins célèbres.
Dans les premières années du XXe siècle, après l'Art nouveau, les formes naturelles se simplifient et se synthétisent, annonçant les figures géométriques des années 1920. Les bijoutiers s'inspirent des styles Empire et Louis XVI, utilisant le platine pour des montures plus fines et souples. L'association du noir et du blanc (onyx et cristal), ainsi que l'utilisation du lapis-lazuli, du jade et du corail, créent une joaillerie haute en couleurs et contrastée.
La veine naturaliste persiste avec des broches "pot de fleurs" ou "bouquet de fleurs". Cependant, la polychromie des années 1920 laisse place à la monochromie des bijoux des années 1930, représentée par des œuvres de Raymond Templier ou Jean Després.
Les grandes familles de bijoutiers sont représentées, notamment Georges Fouquet, dont l'atelier produisait des bijoux dessinés par son fils Jean, ainsi que par d'autres artistes. La maison Boucheron a fait don d'une broche remarquable.
L'Entre-deux-guerres et l'Art Déco
Les années 1920 voient l'émergence du style Art Déco, caractérisé par des formes géométriques, des contrastes audacieux et l'utilisation de matériaux précieux et modernes. Les créateurs aiment conjuguer le mat et le brillant, le transparent et l'opaque, créant une bijouterie très contrastée par les couleurs, les matières et les thèmes.
La monochromie des bijoux des années 1930, comme celles de Raymond Templier ou Jean Després, marque une transition vers des designs plus épurés.
Le Milieu du XXe Siècle : Confrontation des Artistes et Exploration des Matières
Dans les années 1950, la confrontation des artistes à l'art du bijou prend une importance nouvelle. Certains artistes, comme Alexandre Calder, créent eux-mêmes leurs œuvres, tandis que d'autres collaborent avec des orfèvres talentueux. Le musée expose des pièces de Georges Braque, Henri Laurens, Alexandre Calder et Jean Lurçat.
Les bijoux de Calder, réalisés à partir de fines bandes de métal, évoquent la légèreté de ses mobiles. Les bijoux de Jean Lurçat, créés chez François Hugo puis chez Philippe Patek, s'inscrivent dans le répertoire familier de l'artiste : soleil, lune, coq...
Les sculpteurs s'intéressent particulièrement au bijou. Line Vautrin bouscule les conventions avec ses créations facétieuses, entre humour et mythologie personnelle, comme son collier "Saute-mouton" ou sa broche "Soleil enchaîné".
Le travail de l'argent reste une constante dans les pays scandinaves, avec des créations raffinées et épurées de Torun, Saara Hopea Untracht et Henning Koppel. La Suédoise Torun, installée en France, a eu une influence notable sur la création française.
La collection comprend également des pièces de joailliers renommés des années 1940-1960, tels que Suzanne Belperron, Georges Delrue, Pierre Sterlé et Jean Schlumberger. Le style de Jean Schlumberger se caractérise par un mélange audacieux de couleurs et une inspiration puisée dans la nature (fleur, étoile de mer, cactus, poisson...).
Fin du XXe Siècle à Aujourd'hui : Diversification des Matériaux et Concepts Innovants
À partir des années 1960, les créateurs modifient spectaculairement l'usage des matériaux traditionnels de la bijouterie. Certains cherchent à dépasser l'idée qu'un bijou soit uniquement un signe de richesse. Des artistes comme David Watkins, Onno Boekhoudt, Christoph Zellwegger et Tone Vigeland proposent un nouveau rapport au corps.
Le torque "Mains" de la Néerlandaise Jacomijn van der Donck est un exemple de bijou mi-parure mi-vêtement. Les écharpes en papier bonbon ou pellicule photographique de la Suissesse Verena Sieber Fuchs jouent de la confusion entre vêtement et ornement.
En Italie, le travail de l'or conserve son prestige, et une école à Padoue forme des créateurs qui travaillent la matière précieuse en jouant sur les textures et la géométrie.
Sur la scène internationale, la France se distingue par le renouvellement des matériaux, sans abandonner le travail des matières précieuses. Costanza utilise indifféremment or et altuglas, tandis qu'Henri Gargat intègre subtilement des matériaux nobles dans des créations en aluminium articulé par des vis en or.
Jean Dinh Van puise ses sources dans le quotidien (pendentif "Lame de rasoir") et dans certaines civilisations (pendentif "Pi"). Gilles Jonemann utilise des matériaux variés comme l'ardoise, le bois, le plastique ou des graines, en y ajoutant une note précieuse.
Les bijoux de Claude Lalanne utilisent ses techniques favorites : empreinte et galvanoplastie. Jean Vendôme met en valeur le travail des pierres, tout en restant à l'écart des grandes maisons de joaillerie.
Ces dernières années, la joaillerie a connu un nouveau souffle. Les œuvres récentes de JAR, Cartier, Boucheron, Chanel, Van Cleef et Arpels, Dior, Hermès, Lorenz Baümer, Marie-Hélène de Taillac et Solange Azagury Partridge témoignent de ce renouveau. L'importance de la couleur est particulièrement évidente, puisant l'inspiration à des sources diverses. Le bracelet de JAR illustre la liberté d'expression de son créateur, privilégiant couleur, mouvement et une grande variété de matériaux. Les références aux collections lointaines chez Cartier trouvent une nouvelle expression dans des collections comme "Baiser du dragon".
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Le Chat Griffé dans la Joaillerie : Un Symbole Multifacette
Le motif du chat, et plus spécifiquement la "griffe de chat", revêt diverses significations et trouve des représentations intéressantes dans la joaillerie, bien que le terme "griffe de chat" puisse se référer à différentes choses.
Le Chat Porte-Bonheur Japonais : Le Maneki-neko
Bien que souvent associé à la culture chinoise, le célèbre "chat chinois qui salue", aussi connu sous le nom de maneki-neko (chat qui invite en japonais), est d'origine japonaise. Ces statuettes iconiques, avec leur patte levée, leurs oreilles pointues, leur pièce et autres accessoires, sont censées apporter prospérité et chance depuis des siècles.
Une légende attribue leur origine à un chat nommé Tama, qui aurait sauvé la vie d'un seigneur féodal en le protégeant de la foudre. Ce chat est devenu le patron du temple Gōtoku-ji à Tokyo, où des milliers de statuettes de chats porte-bonheur sont vénérées.
Une autre légende, près d'Asakusa à Tokyo, concerne le maru-shime no neko du sanctuaire Imado. Une statuette de chat aurait apporté chance et prospérité à une vieille dame pauvre qui l'avait fabriquée.
L'omniprésence du chat porte-bonheur est liée à la considération des chats au Japon, où un décret impérial en 1602 avait approuvé leur libération pour leurs talents d'exterminateurs de nuisibles. Par la suite, ils furent considérés comme des talismans assurant la prospérité en affaires.
Le maneki-neko peut avoir différentes significations selon la patte levée : celle de droite est liée à l'argent et à la chance, tandis que celle de gauche favorise l'amitié et attire les clients. La statuette peut également arborer un ryō (pièce japonaise ovale) symbolisant la richesse.
Ces figurines sont considérées comme des intermédiaires entre le monde humain et le royaume des déités, transmettant les appels à l'aide au monde spirituel.
Le Chat dans le Vocabulaire de la Joaillerie
Dans le langage courant de la joaillerie, le terme "chat" se réfère à des éléments techniques spécifiques :
- Le Chaton : C'est la partie supérieure centrale d'une bague qui maintient une gemme grâce à des griffes (sertissure). Les chatons peuvent avoir 4 ou 6 griffes, et leur design peut être contemporain avec des formes variées.
- Les Griffes : Il s'agit des fils de métal qui sont rabattus, martelés et taillés par le sertisseur pour fixer la pierre dans le chaton.
Ces éléments techniques, bien que nommés "chaton" et "griffes", ne portent pas de signification symbolique liée au félin lui-même, mais décrivent une fonction mécanique essentielle dans la sertissure des bijoux.
Autres Représentations Félines dans les Bijoux
Au-delà du maneki-neko et des termes techniques, le motif du chat en général peut apparaître dans les bijoux pour diverses raisons :
- Symbolisme intrinsèque du chat : Mystère, indépendance, agilité, élégance, et parfois une connotation magique ou protectrice.
- Inspiration artistique : Les créateurs s'inspirent de la forme et des mouvements graciles du chat pour concevoir des broches, pendentifs ou boucles d'oreilles.
- Personnalisation : Pour les amoureux des chats, un bijou à l'effigie de leur animal de compagnie est un moyen d'exprimer leur affection.
La représentation la plus directe de la "griffe" dans un bijou serait une pièce où une griffe de chat stylisée est mise en avant, soit comme élément décoratif principal, soit comme partie d'une composition plus large. Cependant, le texte fourni ne détaille pas spécifiquement de bijoux où la "griffe" est le motif central, au-delà de la fonction technique du chaton.